Ciudad de México.- La conmovedora docuficción Solo Javier, la historia real de un hombre que, a pesar de nacer en la cuna de la aristocracia española y tocar la cima del éxito deportivo en Estados Unidos, sintió un profundo vacío, ya está en cines. Para hablar de este poderoso testimonio de conversión, Siete24 conversó en exclusiva con Jordi Bosch, presidente de la Fundación Javier Sartorius.

Javier Sartorius, fue, en palabras de Bosch, un chico que lo tuvo todo. Un joven que triunfó en el deporte hasta convertirse en campeón de pádel-tenis en Estados Unidos. Sin embargo, su camino hacia el éxito fue también un recorrido para conocer otra forma de vivir.

“Javier fue una persona que triunfó, pero evidentemente probó todo en la vida, lo probó absolutamente todo. Hace un recorrido después en el que se da cuenta que su vida está vacía de sentido”.

El impacto de la pobreza: Un San Agustín moderno

El documental Solo Javier refleja un proceso de conversión que no fue repentino. El primer impacto lo vivió en Los Ángeles, al quedar profundamente conmovido por la pobreza de las personas sin techo. Esta experiencia lo llevó a cuestionar sus propias “miserias” y el sentido de su existencia, relata Jordi, amigo personal de Javier.

“Él venía de un medio económico fuerte y el impacto con la pobreza le hizo darse cuenta de sus propias miserias. Vio que había gente que no tenía nada pero era feliz, y él deseaba esa felicidad”. 

Debido a esto la vida del joven deportista dio un giro radical, dejó todo y se fue como misionero laico a Cuzco, Perú, donde finalmente encontró la luz de la Fe y dio el paso definitivo hacia la vida espiritual. Javier entró al seminario en Toledo, pero el Señor lo llamó a una vida distinta: la vida eremítica y monástica en una comunidad, donde pasó 14 años. Su proceso de búsqueda y renuncia, subraya Bosch, es una “especie de San Agustín de los tiempos modernos”.

Un modelo de vida a seguir

La motivación para realizar Solo Javier surgió después de la muerte de Javier en 2006, y la sugerencia de un rector de seminario de que el joven había vivido las virtudes en grado heroico, como un santo, por ello decidieron dar a conocer su vida, comenta el presidente de la Fundación.

Solo Javier es una producción de Adauge, dirigida por Josepmaria Anglès y distribuida por Bosco Films, es una docuficción que complementa las entrevistas y el material de archivo de sus viajes, con escenas de ficción para seguir fielmente los pasos de Javier por España, Estados Unidos y Perú. En este último, el equipo rodó y se encontró con aquellos niños que hoy son adultos y que compartieron vida con Javier hace 35 años.

Solo Javier comparte belleza, verdad y bondad en la pantalla grande

El atractivo de la película, según Bosch, es su honestidad y su mensaje universal. El público no solo verá la historia de un hombre con recursos que renunció a la comodidad, sino un relato humano con coherencia.

“Vamos a descubrir tres cosas: nos va a entrar la belleza por los ojos, porque tiene una fotografía de la película impresionante. Vamos a hacer el juicio de la razón porque es una historia que tiene una coherencia. Y cuando lo bajemos al corazón, vamos a descubrir el bien que nos puede generar”. 

En la película los espectadores mexicanos podrán encontrar además un elemento de hermandad, pues Javier vivió 14 años en un santuario dedicado a Nuestra Señora del Hort, una Virgen de tez morena que Jordi Bosch hermana con la Virgen de Guadalupe.

La película ‘Solo Javier’ ya está en cartelera de Cinemex, como una invitación a emprender ese viaje espiritual e interior que el joven aristócrata recorrió hasta el final de sus días.

npq

📲 Comparte y dialoga con nosotros en WhatsApp

Ciudad de México.- La cineasta española Alauda Ruiz de Azúa ha acaparado la atención de la crítica con Los domingos, una película que explora un tema sorprendente en el cine actual: la llamada a la vida religiosa. La cinta, que se ganó la prestigiosa Concha de Oro en el último Festival de San Sebastián, aborda la historia de Ainara, una joven vasca cuya decisión de entrar en un convento desata tensiones y asombro en su entorno familiar.

Según la perspectiva de Víctor Lenore, crítico de cine de InfoVaticana, la película plasma con maestría el choque espiritual entre una aspiración elevada y el mundo contemporáneo. La trama se centra en cómo la firmeza silenciosa de la adolescente Ainara, que recientemente perdió a su madre, desequilibra a su tía Maite, una gestora cultural progresista, exitosa,  y retrata cómo la vocación, que hace décadas era motivo de alegría, hoy se vive socialmente como una tragedia.

El crítico de InfoVaticana enfatiza la calidad del reparto, señalando que la inmersión es tal que el espectador se siente un “intruso invisible en los conflictos familiares.” También subraya la potencia de los diálogos, que exponen sin dramatismos la enorme brecha entre la concepción materialista y la concepción devota de la existencia. La película desmitifica, a través del proceso de Ainara, la idea de la vocación como “secta,” dejando claro que se trata de un encierro voluntario y revocable en cualquier momento.

La propia Ruiz de Azúa, quien se ha declarado no creyente en diversas entrevistas, compartió que se animó a realizar esta obra tras vivir un caso similar en su entorno, lo que añade una capa de intensidad y honestidad a la narración, al presentar la fuerza del amor a Cristo a través de los ojos de una observadora externa.

TE RECOMENDAMOS: Solo Javier, la historia de Javier Sartorius llega a los cines

Del reguetón a la belleza sobria del convento

Uno de los puntos más elogiados de la dirección es su habilidad para integrar elementos culturales aparentemente dispares, utilizando la música pop de manera ingeniosa.

Lenore destaca cómo éxitos pop contemporáneos como “Quédate” de Quevedo o “Callaíta” de Bad Bunny son incorporados, pero resignificados en clave católica. Por ejemplo, “Quédate” se convierte, según el análisis, en una canción que explica el dolor de una vida sin Dios, mientras que “Callaíta” funciona como un elogio a la fortaleza interior femenina.

La directora logra, además, un equilibrio visual entre “la belleza sobria de los conventos, las escenas de la incipiente sensualidad adolescente y las postales de la decadencia económica de la clase alta,” lo que subraya la amplitud de su visión artística.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por 𝗕𝗧𝗘𝗔𝗠 𝗣𝗶𝗰𝘁𝘂𝗿𝗲𝘀 | 𝗣𝗿𝗼𝗱𝘂𝗰𝘁𝗼𝗿𝗮 𝘆 𝗱𝗶𝘀𝘁𝗿𝗶𝗯𝘂𝗶𝗱𝗼𝗿𝗮 𝗱𝗲 𝗰𝗶𝗻𝗲 (@bteampictures)

¿Dónde podemos verla?

La película Los domingos estrenó en España en el Festival de San Sebastián, donde recibió su máximo galardón. Actualmente, se encuentra en cartelera en ese país, y se espera que próximamente llegue a plataformas de streaming en el resto de América Latina.

npq

📲 Comparte y dialoga con nosotros en WhatsApp

Ciudad de México. El cine mexicano lleva a la gran pantalla una de las reflexiones más profundas sobre el caracter incondicional de la maternidad. La actriz Ludwika Paleta y su hijo Nicolás Haza protagonizan Después, la nueva cinta de la directora Sofía Gómez Córdova que aborda la entrega total de una madre y su lucha para encontrar un sentido tras la pérdida devastadora de su hijo.

El largometraje marca el debut cinematográfico conjunto de madre e hijo, una experiencia que, según Paleta, quedará grabada en su historia personal y profesional.

¿De qué trata Después?

Ludwika Paleta interpreta a Carmen, una madre que enfrenta la sorpresiva e inquietante muerte de su único hijo, Jorge (Nicolás Haza).

Jorge se convirtió en el mejor amigo de su madre después de que su padre a la familia cuando él era niño. Esta cercanía hace que la pérdida sea aún más demoledora para Carmen.

En conferencia de prensa la actriz describió esta producción como un proyecto íntimo que trasciende el tiempo:

“Es y será para siempre nuestra película”.

La directora Sofía Gómez Córdova comentó que, aunque la elección de Nicolás Haza se basó en su talento y madurez y no en su parentesco, la relación real funcionó a favor del filme. La realizadora reconoció que trabajar con una relación tan cercana es un arma de doble filo:

“Todos los elementos que pudieran haber sido obstáculos no estuvieron ahí y al contrario tuvieron la sabiduría, la intuición y la inteligencia para usar las cosas de su relación que sí funcionan para la película”.

Maternidad y sacrificio

La trama se enfoca en Carmen y en su intento por rehacer su vida, un proceso que la lleva a descubrir aspectos desconocidos de su hijo y a cuestionar todo lo que creía saber sobre él. El largometraje enfatiza la maternidad y los sacrificios que conlleva.

Paleta reflexiona sobre cómo el rol de madre muchas veces obliga a dejar de lado la vida personal en favor del hijo.

“Lejos de cuestionar tu maternidad, simplemente te vuelcas hacia alguien y dejas tu vida, tus pasiones y tus relaciones de lado, y ese elemento era clave para entender que después (de la pérdida) te quedas sin nada”.

La pérdida y sus múltiples versiones

La pérdida familiar en Después es incomprensible y ambigua. La película no ofrece respuestas fáciles, sino que obliga al espectador a participar en el cierre emocional de la historia. El filme es, como explica Paleta, “con muchas lecturas” y hecho para que “cada uno decida cómo cerrar la historia.”

La historia también muestra cómo una misma persona puede tener diferentes versiones según quién la cuente, un detalle crucial para el personaje de Jorge. La directora Gómez Córdova detalló que esto era “uno de los objetivos de la película”.

“Ese es uno de los muchos sentimientos que viven las personas cercanas a quienes mueren en circunstancias incomprensibles. Simplemente no pueden saber ni darle sentido a piezas que no van a encajar,” lamentó la cineasta, abordando la complejidad del duelo que enfrentan las familias.

La película Después se estrena en los cines el próximo 13 de noviembre, es un drama conmovedor.

npq

📲 Comparte y dialoga con nosotros en WhatsApp

Ciudad de México. El ganador del Oscar, Guillermo del Toro, regresó a la capital mexicana para presentar a los fanáticos y al público el proyecto que calificó como el sueño de toda su vida: su adaptación de Frankenstein para Netflix.

La celebración, que reunió a miles de seguidores, tuvo lugar la noche del lunes 3 de noviembre en el histórico Colegio de San Ildefonso. El evento contó con la presencia de los protagonistas Oscar Isaac (Víctor Frankenstein) y Jacob Elordi (La Criatura).

Si bien la presencia del cineasta generó una ovación, el momento más memorable llegó durante el conversatorio. Del Toro y Oscar Isaac conmovieron a los asistentes al revelar que la nueva adaptación de Frankenstein nació de una conversación íntima sobre sus propios padres, el dolor y la religión.

El cineasta confirmó que Frankenstein es una reflexión íntima sobre la paternidad y el perdón.

Inspirada en sus propios padres

El actor Oscar Isaac compartió cómo se gestó su participación en el filme, una idea que el cineasta tapatío le propuso hace tres años. La conversación inicial no trató sobre el guión, sino sobre los cimientos emocionales de sus vidas.

“Cuando nos reunimos en casa de Guillermo hace tres años, nunca me imaginaba que me fuera a proponer darle vida a Víctor Frankenstein”, relató Isaac. El actor detalló que todo inició con una conversación sumamente personal.

“Todo inició con una conversación muy íntima sobre nuestros padres, de su dolor y la religión… al momento de verlo reflejado en un guión y después de haberlo leído acabamos en lágrimas pues se sentía tan personal, estábamos hablando de nuestras historias.”

Esta confesión subrayó que la complejidad de las relaciones familiares son el verdadero motor de esta versión del cuento de Mary Shelley. 

Frankenstein, la película definitiva de su filmografía

El cineasta, que califica esta película como un sueño cumplido, explicó la relevancia de este proyecto.

“Me emociona más allá de las palabras el poder estar en mi país presentando Frankenstein, un proyecto que deseé realizar desde que comencé a soñar con traer a la vida seres fantásticos”, expresó Del Toro.

TE RECOMENDAMOS: Frankenstein es una reflexión sobre la pérdida de la humanidad

Para Del Toro, la adaptación de esta historia fundamental supuso un riesgo necesario, que, aseguró, valió la pena. 

“Creo firmemente que para estar ante la presencia del arte necesitamos arriesgarnos y para mí, el reto de adaptar una de las historias que creo más fundamentales dentro de toda la historia del cine, fue un riesgo que valió la pena correr. No sólo a nivel personal sino también a nivel artístico, esta película es un momento monumentalmente definitivo en mi vida”.

Finalmente, el director resumió el poderoso tema de la película, destacando que su mensaje central radica en el vínculo humano y el anhelo de pertenencia 

“Esta historia sobre el perdón, la paternidad y la búsqueda de un lugar en el mundo habla el lenguaje más universal, el de ser humano”.

La criatura de su infancia

El actor australiano Jacob Elordi, quien interpreta a la Criatura, también compartió su experiencia de rodaje. Si bien el proceso resultó ser un desafío físico y mental, Elordi lo relegó a un segundo plano por la alegría compartida en el set.

Guillermo del Toro, conmovido, describió el momento exacto en que sintió que su sueño de infancia se materializó al ver a su Criatura en acción: “Con Jacob hubo un momento muy hermoso, cuando entró a la cabaña, lo tomé de la mano y en ese momento sentí que la criatura que yo había visto de niño acababa de entrar a mi set.”

Convive con fans

Guillermo del Toro, con su ya característico carisma, convivió con decenas de fans antes de la proyección, recibiendo innumerables muestras de cariño. 

La celebración de Frankenstein en el antiguo hogar del arte, la ciencia y el pensamiento, San Ildefonso , confirma la visión del cineasta: sus historias de monstruos son, en el fondo, los relatos más puros y emotivos sobre la condición humana.

npq

📲 Comparte y dialoga con nosotros en WhatsApp