Ciudad de México.- En las calles de México, las fiestas navideñas no se entienden sin esa estrella multicolor que oscila hasta romperse, la piñata de siete picos. Lo que hoy vemos como parte de una tradición nació hace siglos como creada por los frailes agustinos para ilustrar la lucha del bien contra el mal.

Según registros históricos, su introducción formal en Nueva España tuvo lugar en Acolman, Estado de México, donde los frailes adaptaron una costumbre europea darle sentido a las fiestas del Aguinaldo.

¿Qué significan los siete picos de la piñata?

La estructura de la piñata no es casual. Cada uno de los siete picos representa un pecado capital: soberbia, avaricia, lujuria, ira, gula, envidia y pereza. Los colores brillantes y el papel que la recubren simbolizan la naturaleza engañosa del mal, que se presenta ante el mundo con una apariencia atractiva y seductora para desviar al fiel del camino de la rectitud.

El ritual de romperla es una representación de la victoria sobre la oscuridad. El participante, con los ojos cubiertos por una venda, simboliza la fe ciega; esa confianza absoluta en la guía espiritual que no necesita ver para saber hacia dónde golpear. El palo, por su parte, es la fuerza moral y la virtud necesaria para destruir el pecado.

Al quebrarse la estructura, la lluvia de frutas, cañas, tejocotes y dulces representa la recompensa divina que llega tras superar los obstáculos del mundo terrenal. 

Algo de historia

Aunque la piñata es un ícono mexicano, sus raíces se extienden hasta Europa. Documentos de los siglos XIII al XVI mencionan la “pignatta” italiana, una vasija de cerámica que se rompía en celebraciones comunitarias. España adoptó esta práctica y la llevó a los rituales previos a la Cuaresma, pero fueron los Agustinos quienes le dieron el giro que conocemos hoy.

De acuerdo con el Archivo Histórico de la Provincia Agustiniana de Michoacán, la piñata se integró a las “misas de aguinaldo”, las precursoras de nuestras posadas actuales. En este contexto, la población indígena aceptó la práctica, integrándola rápidamente y expandiéndola hacia el resto del país.

Evolución y tradición en la cartonería mexicana

Con el paso del tiempo, la olla de barro tradicional ha cedido espacio al cartón y al papel maché, materiales más ligeros que evitan accidentes en las fiestas infantiles. Sin embargo, en regiones como Puebla, Michoacán y Guanajuato, la estrella de barro sigue siendo la reina de las posadas por su sonoridad y resistencia.

Hoy, lugares como Acolman celebran ferias dedicadas exclusivamente a su elaboración, manteniendo viva la técnica de la cartonería. Al darle a la piñata, no solo estamos siguiendo una tradición de juegos; estamos replicando un aspecto histórico que ha definido la identidad cultural de México por más de quinientos años.

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Ciudad de México.- La temporada 2025 de El Cascanueces de la Compañía Nacional de Danza (CND) regresa al Auditorio Nacional para reavivar la magia navideña. Esta puesta en escena, que suma más de dos décadas de éxito en el recinto, se sustenta en el compromiso y la trayectoria de sus principales solistas, quienes comparten su visión sobre la exigencia técnica y el honor de ser parte de esta tradición, como Elisa Ramos.

Elisa Ramos: toda una vida en el reino del hada de azúcar

Elisa Ramos, primera solista de la CND, personifica la historia viva de El Cascanueces en México. Ha participado en las 22 temporadas del montaje en el Auditorio Nacional, su vínculo con la obra se remonta a su infancia, cuando debutó a los diez años.

Su recorrido por la obra es un testimonio de crecimiento artístico:

“He pasado por absolutamente todos los roles: ratón, angelito, soldado, Clarita… He crecido con El cascanueces”.

En esta edición la primera bailarina interpreta al Hada de Azúcar.

Sobre la permanencia en un rol tan demandante a través de los años,Elisa Ramos expresa un compromiso incondicional: 

“Mientras me siga sintiendo bien y pueda aportar a este espectáculo, lo haré con todo el amor. Nunca una temporada es igual a la anterior; cada elenco imprime una energía diferente”.

La exigencia del ballet

A pesar de su experiencia los solistas de la compañía no solo enfrentan el rigor técnico, sino también la presión emocional de presentarse ante miles de personas en un recinto monumental.

La solista Ana Paula Montero, quien debuta como Reina de las Nieves e interpreta la danza Árabe, describió el mayor obstáculo antes de salir a escena: 

“Para mí, lo más difícil son los nervios; es complicado controlar el cuerpo antes de salir y lograr que todo el trabajo previo se vea en escena”.

Montero añadió que la capacidad de proyectar hacia un público masivo y la conexión con la pareja de baile representan desafíos tan importantes como la técnica misma.

Por su parte, Emanuel Talongo, quien debuta como Caballero de las Nieves, compartió: Es una gran oportunidad y también un gran reto. Queremos que el público venga, se acerque al ballet y sienta la magia.” 

Respecto a la dificultad de las cargadas y los levantamientos, el bailarín aseguró:

“Es muy pesado físicamente por las cargadas, pero el desafío es hacerlo ver fácil y disfrutarlo”.

El Cascanueces, la puerta de entrada al ballet

Braulio Fernández, intérprete del Cavalier, Elcascanueces y la danza rusa, subrayó el papel crucial de la pieza para la formación de nuevas audiencias. Considera que el montaje es la puerta ideal para quienes desean conocer el ballet:

“Invitaría sobre todo a los niños, porque ver a otros hombres en la escena de la danza me inspiró a mí”.

¿De qué trata El Cascanueces?

La historia de El Cascanueces se ubica a finales del siglo XIX en Rusia, época en la que se estrenó este ballet y en la que vivió su compositor, por lo que la escenografía actual evoca el esplendor de la Rusia zarista, con un toque contemporáneo. El cuento narra la aventura de Clara, a quien su padrino el juguetero Drosselmeyer le regala en Navidad un misterioso y mágico cascanueces, que cobra vida y la lleva a recorrer un mundo fantástico.

El Cascanueces se estrenó en 1892 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo y sitúa su historia original a finales del siglo XIX —época del compositor Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893)—. La escenografía actual de esta puesta en escena de la CND recrea ese esplendor con un toque contemporáneo. Su coreografía, versionada por compañías de todo el mundo, se basa en el cuento de E.T.A. Hoffmann El Cascanueces y el rey de los ratones (1816), convertido en un gran clásico navideño que se celebra globalmente cada diciembre.

El 2 de diciembre de 1980 se presentó por primera vez en el Palacio de Bellas Artes, y en 2001 llegó al Auditorio Nacional. La temporada 2025 inicia este jueves 18 y se extiende hasta el 23 de diciembre.

Horarios 

Auditorio Nacional

Diciembre:

• jueves 18 y viernes 19, 19:30 horas
• sábado 20, lunes 22 y martes 23, 12 y 18 horas
• domingo 21, 12 y 17 horas

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Ciudad de México.-  El productor Alejandro Gou confirmó que el actor mexicano Jaime Camil regresará a los escenarios nacionales para encabezar el elenco de “Matilda, el musical”, que ya es uno de los más esperados de la temporada 2026 en México. Pero el anuncio no está exento de controversia: Camil no interpretará a un galán, sino a la temible Srita. Tronchatoro.

El montaje, que tendrá su estreno el próximo 13 de marzo, colocó el nombre del actor en el centro de una conversación digital que divide opiniones. Mientras sus seguidores celebran su versatilidad y trayectoria internacional, un sector de la audiencia ha manifestado su descontento, cuestionando si la elección de un hombre para un rol femenino desplaza el talento de actrices mexicanas que podrían abordar el papel.

El origen de una tradición: ¿Por qué Tronchatoro es interpretada por hombres?

Para comprender la elección de Jaime Camil, es necesario mirar hacia Londres y Nueva York. Contrario a lo que se debate en las tendencias actuales, que un hombre dé vida a Agatha Trunchbull (Tronchatoro) no es una decisión aleatoria ni una falta de respeto al género del personaje. Es, en realidad, un mandato creativo establecido desde la concepción del musical en 2010.

El director original, Matthew Warchus, y el libretista Dennis Kelly, determinaron que para lograr el impacto visual de una villana “inhumana”, grotesca y físicamente imponente que contraste con la fragilidad de Matilda, el personaje debía ser abordado a través del cross-casting.

Esta técnica busca enfatizar el carácter autoritario del personaje mediante una fisionomía que rompa con la realidad. En las producciones más emblemáticas de la historia de este musical, figuras como Bertie Carvel (quien originó el papel en el West End y ganó el Premio Olivier) y Christopher Sieber en Broadway, han demostrado que este recurso teatral transforma a la villana en una caricatura aterradora pero extrañamente fascinante.

Jaime Camil entre la técnica y la crítica social

En México, el debate en redes sociales se ha intensificado, recordando la constante incursión de Camil en grandes producciones. Desde una perspectiva estrictamente periodística y técnica de teatro musical, el reto que asume el actor es monumental.

Dar vida a Tronchatoro exige un dominio absoluto de la comedia física y una resistencia vocal específica. Camil deberá enfrentarse a una partitura compleja diseñada por Tim Minchin, donde el humor negro es el hilo conductor.

Jaime Camil tiene las tablas para ello, de acuerdo con el productor Alejandro Gou, aportará experiencia internacional, su dominio de la comedia y su presencia escénica. Camil es más que un actor de telenovelas, que es como lo ubica el gran público, es un protagonista de producciones musicales teatrales en Broadway, en inglés. 

Gou busca sorprender con la producción mexicana, bajo la dirección de Nick Evans, busca replicar la excelencia de los montajes internacionales, integrando tecnología de punta como videomapping y automatización escenográfica.

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Un elenco de alto nivel para una historia universal

Más allá de la figura de Camil, la producción ha confirmado un reparto sólido que equilibra la balanza escénica. Ricardo Margaleff y Verónica Jaspeado personificarán a los excéntricos Wormwood, mientras que el papel de la Srita. Miel será alternado por María Elisa Gallegos y Gloria Aura. Completa el cuadro principal Gicela Sehedi como la Sra. Phelps, el refugio literario de la pequeña protagonista.

Matilda, basada en la obra de Roald Dahl, es una celebración de la inteligencia y la resiliencia infantil. Al final del día, la presencia de un hombre bajo el uniforme de Tronchatoro no busca ser una parodia de la mujer, sino una representación simbólica del abuso de poder que una niña, armada únicamente con libros y valentía, logra derrocar.

La historia del libro “Matilda”, tan popular por la película protagonizada por Danny DeVito, es tan popular, que atraerá a toda la familia al teatro, sobre todo a los más pequeños, es perfecta para introducir a los niños en la apreciación y disfrute del arte del teatro.

“Matilda” estrena el 13 de marzo en el Centro Cultural Teatro 1

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Ciudad de México.- Con un mensaje de fe, gratitud y esperanza, Martha Higareda sorprendió a sus seguidores al relatar que estuvo al borde de la muerte tras sufrir preeclampsia, una complicación grave relacionada con el embarazo, durante el nacimiento de sus gemelas.

“Con profunda gratitud a Dios estoy viva”.

Así lo escribió la actriz y madre en una publicación en Instagram, donde también reveló que una de sus bebés tuvo que ser internada en cuidados intensivos tras el parto.

La artista de 42 años explicó que su esposo tuvo que llevarla de urgencia al hospital porque su presión arterial alcanzó los 215 puntos. Durante más de seis horas los médicos trataron de estabilizarla.

YA VISTE: Así dio a conocer Martha el nacimiento de sus gemelas

“Jesús sostenía mi corazón”

Higareda narró que, durante esa primera noche, vivió una experiencia espiritual que cambió su vida.

“Esa primera noche, en esas seis horas, estuve entre la vida y la muerte. Viví una experiencia espiritual en donde se me mostró qué ocurriría si me quedaba o partía. Y en ese espacio, recé.

Y sé que Dios y el Rosario me salvaron. Mi esposo sostenía mi mano y Jesús sostenía mi corazón”.

Conmovida, compartió que su presión comenzó a estabilizarse poco después y que, aunque tuvo que regresar dos veces más a emergencias en las semanas siguientes, hoy se encuentra recuperada y disfrutando de su nueva etapa como madre.

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Una lección de fe y fortaleza familiar

Martha Higareda también agradeció el apoyo de su familia y del equipo médico que la acompañó en esos momentos críticos:

“Gracias a mi esposo, nuestros papás, nuestra familia y amigos fueron mi fuerza para seguir luchando. Sé que Dios y el Rosario salvaron mi vida y por eso estoy profundamente agradecida”, escribió.

El testimonio de la actriz ha conmovido a miles de seguidores, quienes llenaron sus redes sociales de mensajes de cariño y oración. En un contexto donde muchas figuras públicas comparten sus vivencias personales, Higareda destacó por dar un mensaje de fe, familia y esperanza, subrayando la importancia de la fe.
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