Ciudad de México.- La historia de Tony y María cobró vida por primera vez el 26 de septiembre de 1957, cuando el musical Amor sin barreras estrenó en el Winter Garden Theater de Broadway. La obra es el resultado del talento de cuatro genios e íconos del teatro musical: el director y coreógrafo Jerome Robbins, el compositor Leonard Bernstein, el letrista Stephen Sondheim y el dramaturgo Arthur Laurents.
El espectáculo tuvo un largo período de gestación. Robbins concibió el musical en 1949, en base a un argumento que ideó junto con Bernstein y que giraba en torno al conflicto entre una familia irlandesa católica y una familia judía que vivían en el Lower East Side de Manhattan.
En 1955, luego de reunirse con Laurents, según cuenta la historia, el dramaturgo y guionista les propuso el tema de las dos pandillas de adolescentes de Nueva York, una de puertorriqueños recién llegados y la otra de descendientes de inmigrantes europeos de clase obrera.
El proyecto tomó forma y comenzó a articularse y, aunque la financiación no fue fácil de obtener, los ensayos comenzaron en julio de 1957. Luego de una función de prueba en Washington, D.C., el espectáculo se estrenó en Broadway y obtuvo críticas excelentes.
En el Winter Garden Theater se presentó 732 veces, y desde entonces ha cobrado vida en escenarios amateur y profesionales de todo el mundo.
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A LA CONQUISTA DEL MUNDO
Si bien el musical cosechó elogios de la crítica y deleitó a los fans del teatro musical, no fue hasta el estreno de la película de 1961 que la historia conquistó al mundo. Dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins, y protagonizada por Natalie Wood y Richard Beymer, Amor sin barreras fue un éxito sensacional de público y de crítica. Además de obtener diez premios Oscary arrasar en la taquilla, marcó el comienzo del surgimiento del musical como fenómeno cultural.
Como cuenta la hija de Bernstein, Jamie, además de la película de 1961, hubo cuatro reposiciones en Broadway e innumerables producciones y en el extranjero, además de producciones en cines, escuelas secundarias y auditorios universitarios; una versión punk; una versión relatada por una mujer, realizada por Cher; y una producción en el famoso teatro lírico La Scala de Milán.
UNA HERENCIA PODEROSA
Desde el momento en que empezó a soñar con hacer una nueva adaptación de Amor sin barreras, Steven Spielberg supo que honrar el prestigioso legado era una gran responsabilidad.
“Tienes que pedirte a ti mismo, una y otra vez, una justificación para pisar lo que se siente como terreno sagrado. Todos lo hicimos. El riesgo que conlleva este proyecto no se nos escapa, pero todos los involucrados ingresaron a él con tremendo amor y respeto, rayano en la reverencia, por la obra y obviamente por sus legendarios creadores. De todas formas, también sabíamos que teníamos que hacer una película para nuestro tiempo y hacerla con una comprensión contemporánea, y con los valores contemporáneos a los que nos suscribimos”.
El equipo creativo de la película consultó constantemente a los herederos de los creadores originales durante el largo período de preproducción.
El equipo detrás de la película, además, se comprometió desde un primer momento a contar esta nueva versión de la historia con una mirada diversa y étnicamente auténtica.
“En el teatro, los actores, en su mayoría, no eran de origen hispano, y en la película de 1961, eran de treinta y pico de años, y muchos de los que estaban interpretando a los puertorriqueños eran blancos. Yo quería que el elenco fuera auténtico, para asegurarme de que los actores que interpretaban a los integrantes de los Sharks (la pandilla de origen portorriqueño) fueran ciento por ciento latinos, y jóvenes”, explica Spielberg.
Apoyada sobre un legado invaluable, AMOR SIN BARRERAS mira hacia atrás para honrar el trabajo de quienes dieron vida a esta historia única, pero también mira hacia delante, dejando en el relato una impronta contemporánea acorde a los tiempos que corren, como solo Spielberg puede hacerlo.
(Con información de Disney)
npq
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Ciudad de México.— Sin duda La Sustancia (2024) es una de las películas más comentadas del año por su temática, su estética y su calidad.
Demi Moore (Elisabeth Sparkle) y Margaret Qualley (Sue) protagonizan una cinta que, pese a llamar la atención por otros, factores, se enfoca en una de las problemáticas más importantes de la sociedad: la cultura del descarte.
Se habla de “cultura del descarte” para definir nuestro actual modo de vida que antepone el “consumir y tirar” al “reducir o reutilizar”.
Esto no se limita a cosas. Las personas se vuelven bienes de consumo, que pueden ser usados y tirados, esclavizados, excluidos o sometidos.
Los personajes de ambas mujeres, sufren precisamente del descarte de la industria del entretenimiento y sus estándares de belleza.
Sparkle, una actriz de 50 años decadente, pierde su empleo sólo por su edad de un programa de ejercicios.
Tras un accidente, un médico le ofrece una sustancia para “sacar la mejor versión de ti”.
Luego de pensarlo, la mujer accede a consumir la extraña droga que da vida a Sue.
Si bien son entes separados, y no comparten recuerdos ni conciencia, tienen la misma esencia.
Por ello, Sue acude a la televisora que despidió a Elisabeth para sustituirla. Las capacidades no eran distintas, sólo la edad.
Sue se adueña de la vida de Elisabeth y poco a poco la consume la ambición de lograr –nuevamente- sus sueños de fama.
Sin embargo, pese a ser joven y bella, también sufre del descarte. Pese a la atención que tiene, no hay alguien que se interese medianamente en ella. Es sólo un producto al cuál sacarle el mayor provecho posible hasta que deje de ser redituable.
Finalmente, ambas murieren por el excesivo uso de la sustancia por su miedo a ser descartadas.
Demi Moore, con La Sustancia, desafía la cultura del descarte
Pese a que su carrera no ha parado y estrenar un promedio de un trabajo por año, los expertos catalogan La Sustancia el regreso de Demi Moore.
Sin embargo, a los 62 años mostró su extraordinaria capacidad actoral con su último papel.
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La carrera de Demi es muy sólida pero, como todos los actores, ha sufrido altibajos. Los 90 fueron la mejor década para Moore pero desde hacía varios años sus papeles como actriz se había reducido.
Demi Moore ha demostrado mucho valor al aceptar el personaje de Elisabeth Sparkle ya que representa lo que a muchas actrices mayores les pasa cuando llegan a cierta edad en Hollywood.
La actriz explicó a la agencia AP que la cinta trata sobre apreciar lo “que uno es” en lugar de perseguir una versión idealizada e inalcanzable de uno.
“Es una jornada sobre lo que ocurre cuando persigues algo que crees que es mejor, pero en realidad pierdes lo que ya tenías”
¿Qué es la cultura del descarte y cómo se relaciona con La Sustancia?
La cultura del descarte es un fuerte problema al que se enfrenta la sociedad. Esta situación es producto del capitalismo neoliberal, y en ella todo se convierte en mercancía, incluso la persona humana.
Dentro del neoliberalismo se desacredita a todo tipo de personas y se ignora su dignidad. Afirmó el sacerdote Juan Ignacio Ortega Gómez, quien se formó en el Instituto Teológico de Estudios Superiores, retoma RegnumChristi.mx.
La cultura del descarte puede ocasionar que se adopte una de las posturas más radicales de los regímenes totalitarios: si “no sirves” para la producción eres dejado atrás.
Esto incluye a personas con discapacidad o ancianos, sectores poco valorados por la sociedad.
La sustancia, entre temas como el amor propio y el envejecer, hace énfasis cómo se descarta a personas que le son poco útiles al ser poco productivas.
Si bien llamó la atención por sus body horror y escenas grotescas, su temática central es lo más valioso que presenta la cinta.
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JAHA
Ciudad de México.- La inspiradora historia de Christopher Reeve, un verdadero héroe fuera de la pantalla que cambió el mundo, continúa en la cartelera con el documental Super/Man, un emotivo largometraje que profundiza en la vida del actor que interpretó al icónico superhéroe, pero que con valentía y perseverancia superó el legado cinematográfico para ser un símbolo de esperanza para personas con discapacidad.
¿Quién fue Christopher Reeve?
Es considerado la encarnación definitiva de Superman, su actuación combinó fuerza, nobleza y vulnerabilidad y establecieron el estándar para las películas de superhéroes modernas, popularizaron el género y capturaron la imaginación de millones. Superman (1978) utilizó efectos especiales avanzados para su época, haciendo que los espectadores creyera que un hombre podía volar. Reeve no solo redefinió lo que significa ser un superhéroe en la pantalla, sino que también se ganó un lugar en el corazón del público.
Además de su icónico papel como Superman, Reeve diversificó su carrera en cine, teatro y televisión, con actuaciones aclamadas en películas como Somewhere in Time (1980) y The Remains of the Day (1993). Su talento y versatilidad como actor demostraron que podía brillar en cualquier género.
Un legado más allá del cine
En 1995, un trágico accidente de equitación dejó a Christopher Reeve parapléjico, cambiando su vida para siempre. Lejos de rendirse, se convirtió en un defensor incansable de la investigación sobre la parálisis y los derechos de las personas con discapacidad, fundando la Christopher Reeve Foundation. Su resiliencia y activismo lo convirtieron en un símbolo de esperanza y perseverancia, dejando un legado duradero que sigue inspirando a generaciones.
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¿Cuál es el enfoque de Super/Man?
Super/Man: La Historia de Christopher Reeve aborda temas universales como la resiliencia, la esperanza y el espíritu humano frente a la adversidad. Dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, la película ofrece una perspectiva única de su vida; el documental incluye videos caseros nunca antes vistos de la familia. Christopher Reeve había grabado audio de sus memorias antes de su fallecimiento en 2004, y estas grabaciones se utilizan en el filme.
Super/Man es un documental convencional que no convenció del todo a la crítica especializada, que lo consideró una excelente oportunidad de llevar a la pantalla una vida extraordinaria, pero que resultó, como suele suceder, en una biografía enamorada basada en un solo aspecto, en este caso el activismo del héroe. Con un exceso de datos, se centra más en su vida después del desafortunado accidente que lo dejó inmóvil; pero hay que destacar que resalta como fue el amor de su familia, su esposa y sus hijos, lo que le dio la fuerza para levantarse y volar de verdad.
Sus hijos Matthew, Alexandra y Will, quienes dirigen la fundación que lleva el nombre del actor, ofrecen una perspectiva honesta sobre su padre.
Finalmente, hay que decir que para quienes vivieron la era de Reeve como Superman, es una oportunidad para darle rienda suelta a la nostalgia. Para las nuevas generaciones, es la puerta de entrada al legado de un héroe que marcó la historia del cine.
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Ciudad de México.– Media semana de fiesta para ir al cine con precios especiales que no puedes dejar pasar. Solo hoy, 13 de noviembre, puedes disfrutar de una variedad de películas con unos cuantos pesos. La Fiesta Cinépolis está de regreso por solo 35 pesos.
Entre las opciones en cartelera, destacan varios títulos que ya están haciendo ruido. Los fans de las historias emotivas pueden disfrutar de El tiempo que tenemos, protagonizada por Florence Pugh y Andrew Garfield, una película que retrata el amor en tiempos de adversidad. Por otro lado, si buscas algo más ligero y entretenido, no puedes perderte La Cocina, una historia que te lleva al corazón de un restaurante de Nueva York, donde los personajes enfrentan desafíos personales y profesionales mientras se entrelazan en una trama de pasión y tensión.
Además, para los amantes de los superhéroes, Cinépolis ofrece una joya que no te puedes perder: Super/Man: La Historia de Christopher Reeve, un documental que celebra la vida del legendario actor y su vínculo con el icónico papel de Superman. Si lo tuyo son los dramas épicos, El Conde de Montecristo será otra de las grandes apuestas, con un giro inesperado en la vida de Edmundo Dantés, quien busca vengarse de aquellos que lo traicionaron. Y, si prefieres un toque de comedia, María ¡Me Muero! promete hacerte reír con su historia de un hombre hipocondríaco y su esposa que decide tomar cartas en el asunto.
Las entradas en salas tradicionales, Macro XE y Junior cuestan 35 pesos. Si prefieres un formato más exclusivo, los boletos para VIP, 4DX, IMAX y Screen X están disponibles por 80 pesos.
Además, si eres de los que no pueden ir al cine sin una buena dosis de palomitas, aprovecha las palomitas y refrescos a mitad de precio comprados a través de la web, la app o los kioscos de Cinépolis, y un 30 por ciento de descuento en la dulcería.
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Ciudad de México.- Las novelas “Pedro Páramo”, de Juan Rulfo y “Casi el paraíso”, de Luis Spota, son dos libros fundamentales de la literatura mexicana, referencias indispensables del México rural y contemporáneo que reflejan la realidad nacional desde distintas perspectivas: El realismo mágico y el realismo crudo.
Ambos libros y sus historias son considerados críticas sociales potentes que permanecen vigentes a través del tiempo, y son accesibles para las nuevas generaciones a través de la pantalla grande, con dos nuevas adaptaciones cinematográficas.
Pedro Páramo
“Pedro Páramo”, de Juan Rulfo, narra la historia de Juan Preciado, quien viaja al pueblo de Comala cumpliendo el último deseo de su madre: encontrar a su padre. Al llegar, descubre un lugar fantasmal donde las voces de los muertos revelan secretos y sufrimientos pasados. A través de personajes que parecen guiarlo, como Abundio y Damiana, Preciado descubre el poder y crueldad de Pedro Páramo, un cacique despiadado que dominaba Comala.
El cinefotógrafo Rodrigo Prieto debuta como director con su versión cinematográfica del libro más conocido de Rulfo. La película “Pedro Páramo”, protagonizada por Manuel García-Rulfo, por cierto sobrino-nieto el autor, y Tenoch Huerta como Juan Preciado.
La película de Rodrigo Prieto recibió el elogio de la crítica por entregar una lograda adaptación del mundo rulfiano y respetar el realismo mágico del relato.
Previo al estreno en Netflix el pasado 6 de noviembre, Rodrigo Prieto comentó que llevar al cine esta historia sobre la búsqueda del padre, fue una hazaña.
“Me identifico especialmente con Juan Preciado, que se está buscando a sí mismo y a su país en la búsqueda de su padre. Él representa al pueblo mexicano, en el sentido de que somos un pueblo mestizo, una mezcla de raíces y de razas”.
rodrigo prieto
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Casi el paraíso
“Casi el Paraíso”, la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Luis Spota, es también una ópera prima, en este caso de Edgar San Juan, quien también cosechó la buena recepción del público en las salas de cine desde septiembre, por ser fiel a la profunda reflexión del autor sobre la estructura social del país.
En “Casi el paraíso”, Luis Spota critica de forma mordaz la sociedad mexicana de mediados del siglo XX, donde impera la corrupción. La historia sigue a un hombre de orígenes humildes que asciende en la escala social mediante engaños, manipulaciones y su capacidad para explotar las debilidades humanas.
La película actualizó la historia para reflejar la realidad contemporánea, y así dar un enfoque fresco para resonar con el público joven. Esta adaptación garantiza que tanto los seguidores de la novela como los nuevos espectadores se sumerjan en las andanzas de Ugo Conti.
Edgar San Juan, a quien Cinépolis Distribución encargó la película, pasó la prueba con una tarea nada fácil, lograr que el filme, con una costosa producción, la inversión más grande de esta empresa, tuviera éxito comercial. Las actuaciones de Miguel Rodarte, Esmeralda Pimentel y Karol Sevilla, para atraer a los jóvenes, fueron certeras.
Si los filmes logran que los espectadores se sumerjan ahora entre las páginas de los libros, Rulfo y Spota habrán recibido merecido homenaje este Día Nacional del Libro.
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